Pubblicato in prima stesura negli anni ’80 sulla Gazzetta del Mezzogiorno di Bari, “Il ritorno del soldato” stimola Saverio Strati e il suo amico drammaturgo cosentino Vincenzo Ziccarelli a creare una interessante drammaturgia, seppure apparentemente semplice, che portasse alla luce criticità, contraddizioni ed emergenze della contemporaneità, sollevando interrogativi universali. La guerra innanzitutto, che ancora oggi deflagra, insinuandosi nell’immaginario comune. Nell’opera, Strati decide di parlare della guerra, così come ha fatto per la fame, la povertà, il dolore, raccontandola attraverso una semplice famiglia del sud. Una famiglia con le sue convenzioni e i suoi valori sentimentali. Amore, onore, attesa, dolore, vergogna. Tutto ruota intorno alla figura della madre, che regge il sistema familiare meridionale. L’intrecciarsi e il confliggere del dedalo di sentimenti dei quattro protagonisti, fa ruotare l’intera struttura del testo intorno alla problematica dell’attesa. Sul limitare di questa sospensione, nell’aspettativa di un ritorno, di una nascita, di una soluzione che non può arrivare dalla volontà degli uomini, emergono gli eterni drammi che rendono irrisolta, sublime e dolorosa, la storia di ogni partenza, di ogni desiderio, di ogni lontananza. La guerra di Strati e Ziccarelli può aiutarci ancora, poiché in un piccolo tema come quello interno all’opera, sono racchiusi i temi universali dell’uomo che vive anche in questo momento la tragedia delle guerre.

Una riscrittura originale del mito di Medea, la maga principessa della Colchide. Ispirata ai testi di Euripide con incursioni di autori vari come Alvaro, Filia, Christa Wolf, Pino Michienzi, la Medea di e con Anna Maria De Luca tratteggia il personaggio di Medea, la straniera, che rivendica il ruolo determinante di artefice delle fortune di Giasone.

Puntualizzando come ogni atto subito o praticato è il frutto di una qualche menzogna o inganno, Medea si discolpa dei crimini che le vengono ascritti da una cultura che si proclama progressista ma che resta ancorata alle logiche di un sistema storico-sociale maschilista in cui gli uomini detengono il potere predominando nei ruoli della politica, come autorità morale e religiosa e naturalmente riservandosi ogni privilegio sociale.  Quello della compagnia Teatro del Carro è un atto d’accusa contro la società che relega la donna ai margini, soggiogata dal patriarcato.

In scena Anna Maria De Luca, intensa interprete teatrale, ma volto noto anche sul piccolo e sul grande schermo grazie a serie televisive e film di successo, come “Trust” di Danny Boyle ed Emanuele Crialese, “Non uccidere” con Miriam Leone, “Padrenostro” con Pierfrancesco Favino e a collaborazioni con alcuni dei registi e dei volti più noti del cinema come Zeffirelli, Giannini, Bova, Guerritore, Leone, Dapporto, solo per citarne alcuni.

Conosciamo la strada che percorriamo tutti i giorni? E la strada di oggi è uguale a quella di ieri? È possibile che un mito della storia antica, come Spartacus, abbia in comune con uomini e donne del nostro tempo luoghi, aneddoti, oggetti, amicizie, morti? È impensabile affermare che la parabola umana e di lotta di Spartacus sia simile a quella di tanti nostri contemporanei, se non di noi stessi? Il carattere di queste domande potrebbe proseguire all’infinito, aprendo tentativi di risposta inimmaginabili. 

E allora, scendiamo sulla strada. Non una strada qualunque, ma “La Strada”: la strada della morte, la SS 106 Jonica, che collega Reggio Calabria a Taranto. Una strada che diventa il pretesto per parlare di schiavitù, di sogni, di incontri umani, di paesaggi, di incidenti, di Beautiful, di mar Jonio, di lotta e di politica. 

La strada che il nostro Spartacu, contemporanea incarnazione dell’antico lottatore/schiavo trace Spartacus, si trova a percorrere ogni giorno per andare a guadagnare quei pochi denari che gli occorrono per sperare di costruirsi un futuro e una famiglia. Sa che il suo destino è legato a questo viaggio quotidiano, che costantemente compie, sin da quando è piccolo, perché lui su questa strada ci è nato e per questa strada si batterà tutta la vita. Ed ecco così che la storia dell’eroe di epoca romana, che la leggenda vuole abbia compiuto imprese mirabili proprio in Calabria, si intreccia con quella dell’uomo d’oggi. 

Una storia che si intreccia alla vera vita e alla lotta di Franco Nisticò, politico calabrese, originario di un piccolo paese della provincia catanzarese, Badolato, che, dopo essersi battuto con ogni mezzo per il miglioramento e l’ammodernamento della 106, per difendere i diritti di chi questa strada è costretto a farla ogni giorno, perde la vita al termine di un ultimo comizio tenutosi a Villa San Giovanni nel dicembre del 2009. 

Un racconto drammaturgico questo di Spartacu Strit Viù, dove non esistono personaggi, ma solo storie universali, storie che accomunano i giovani e gli anziani, i classici e i moderni, il passato e il futuro. La vita e la morte. Sulla strada. Una scrittura scenica elaborata ed interpretata dal giovane artista calabrese Francesco Gallelli, che realizza questo secondo studio sul testo, passando dalla pagina scritta alla messa in scena, potendo avvalersi della collaborazione e del tutoraggio artistico di Luca Michienzi ed Anna Maria De Luca. 

Una performance resa possibile grazie alla Residenza Teatrale MigraMenti Off, diretta dal Teatro del Carro, che ha creduto nel progetto di Gallelli, ospitando lo studio in una permanenza artistica presso il Teatro Comunale di Badolato per un periodo di oltre 60 giorni. 

Un progetto che ha debuttato all’interno della VI Giornata Nazionale dell’Attore, che il Teatro del Carro ha istituito e promosso per ricordare e commemorare Pino Michienzi, suo indimenticabile fondatore e direttore artistico. Progetto che ha concluso anche sei anni di gratificante, ma duro ed incessante, lavoro della residenza MigraMenti, nella città di Badolato. 

Lo spettacolo è sostenuto dalle Associazioni Riviera e Borghi degli Angeli di Badolato e Basta vittime sulla S.S. 106!

È il giorno di Pasqua, è sera e la gente del paese è tutta riversata in piazza, borbotta:
“hanno rubato la corona di spine dalla statua della Passione di Cristo!”.

L’ha rubata Saro, il figlio di Nino e Concetta.

Saro è un ragazzo schizofrenico, si è serrato in casa lasciando all’esterno anche i propri genitori, si è appropriato della corona di spine, convinto di essere egli stesso la reincarnazione di Gesù Cristo.

Nino e Concetta aspettano dinanzi al portone, attraverso il loro dialogo si entra nel loro mondo, fatto di sacrifici, abnegazioni, sopportazioni, soprattutto da parte di Concetta, che, nonostante il dolore dato dall’ipocrisia e dal giudizio della gente del paese, sostiene con l’amore misericordioso la purezza, quasi divina, che risiede nella follia del figlio, con un’accettazione che solo una madre può avere nei confronti di un figlio che soffre di una malattia mentale.

Solo la madre riconosce la purezza del figlio e solo il figlio riconosce il richiamo della madre, che ristabilirà la quieta nel paese.

Controra è una donna rinchiusa in casa da un tempo indefinito, succube della propria vergogna, dimentica del proprio passato.

L’unica compagnia di Controra è un’intelligenza artificiale chiamata Samsa che, oltre ad essere la sua connessione con il mondo, detta i tempi delle sue giornate. Il tentativo di raccogliere i cocci del suo io frammentato, condurrà Controra ad inaspettate rivelazioni sul proprio passato e a nuove consapevolezze sulla propria identità.

A peggiorare la situazione di Controra, un uomo: da principio è solo un’interferenza proveniente dalla tv, man mano diventerà una presenza sempre più ingombrante e materica. In conseguenza a tale invasione nella mente di Controra prenderà corpo uno spettro, la rivoluzione.

Rivoluzione in questo caso significherà tendere un assalto alle parti di sé cristallizzate e non aperte al cambiamento.

Nei primissimi anni del XX secolo più di 500.000 calabresi emigravano. Le necessità non soddisfatte e l’anelito ad una vita migliore erano la spinta a partire, ma un consistente gruppo non era certamente motivato da esigenze economiche. Provenienti da famiglie agiate o, comunque, in possesso di elevate conoscenze professionali e in grado di produrre un soddisfacente tenore di vita in patria, partivano anch’essi. Alcuni in giovanissima età. Andavano, tornavano, partivano nuovamente, pervasi da un’inquietudine difficilmente decifrabile. Probabilmente, la loro prospettiva di una vita migliore non era legata al miglioramento della condizione sociale ed economica, ma piuttosto al miglioramento delle condizioni generali di vita. In patria non era possibile coalizzarsi, organizzarsi e creare strategie di lotta efficaci. L’unica soluzione era quella di andarsene, per protesta, e costruire insieme la lotta nei paesi di destinazione, nonostante condizioni sicuramente più difficili di quelle da cui partivano. 

Necessità iniziale del drammaturgo era capire meglio la storia di una parte della sua famiglia che, per motivi anagrafici, non aveva conosciuto e che non aveva indagato con sufficiente curiosità, quando erano ancora vivi i suoi zii, testimoni diretti della storia del nonno, dello zu Miliu e degli amici anarchici del cui giro facevano parte nella Chicago di inizio ‘900. 

Il lavoro ha portato alla luce la bruciante attualità di temi che si accavallano in una sorta di “Giano bifronte”: da una parte la generazione che sta abbandono la nostra terra con premesse simili a quelle dei protagonisti della storia, dall’altra il clima con cui si scontrano i migranti che arrivano sulle nostre coste, simile a quello che trovarono all’arrivo i nostri nonni, quasi che un secolo sia compresso in un presente immobile. 

È stato ricostruito un frammento della storia di questi sovversivi rivoluzionari – così sono etichettati nei manuali di storia  nordamericani – nella lingua feroce con cui si esprimevano, mista dell’inglese, dell’italiano e del dialetto antico. 

La drammaturgia trae origine da: 

• una poesia di Arturo Giovannitti, The Walker, tradotta in italiano; 
• tre frammenti poetici, in dialetto calabrese, di Michele Pane, Capitabussa, Forerbandita, Azzarelleide;
• un frammento di un articolo di Emilio Grandinetti. 

I tre, amici fraterni, partecipano alla lotta per l’emancipazione sociale e materiale della comunità italoamericana e dei lavoratori in genere. 

Dammi un attimo racconta di Francesco e Silvia, incapaci di immaginarsi genitori nel mondo della precarietà, di riconoscere se il proprio momento è arrivato. E di Maria, sorella di Francesco, che con la sua esperienza di maternità e con la sua leggerezza, metterà costantemente in discussione il loro punto di vista.

Francesco e Silvia percepiscono la distanza fra un tempo personale, e il tempo assegnato dalla società, ma tentano di colmare quel vuoto affidandosi a ciò che è considerato normale.

Ma come definirsi normali? Qual è oggi il parametro della normalità? Spesso sembra che coincida con il mettere le radici in un luogo, in una persona, in un ingranaggio, essere, insomma, stabili.

I due appartengono a una generazione che, a dispetto dei loro genitori, questa stabilità la disprezza e nello stesso tempo la invoca, che si auto-sabota con le proprie paure, ma che vuole con tutte le forze conquistare un proprio spazio. Ridefinire i modelli sociali nei quali non si riconoscono, costruire relazioni sincere che non subiscano imposizioni esterne, richiederà loro uno sforzo di comprensione reciproca, un’accettazione amorosa delle fragilità di ciascuno.

Così il verbo rimandare da imperativo morale viene gradualmente accantonato, sorgeranno domande mai poste e la possibilità di una famiglia acquista contorni diversi. Il loro stare insieme si nutrirà di un senso nuovo perché se come prima non possiamo più Essere allora bisognerà Essere in un altro modo.

Donne custodi delle tradizioni e dei codici della ‘famiglia’, pronte a guidarla quando gli uomini sono in galera, a crescere figli sani e forti, capaci di prendere il posto dei padri all’interno del clan, di imbracciare le armi, di sparare, di fare affari in Colombia o ad Amsterdam, di entrare nei gangli del potere, di portare in giro per il mondo il brand di famiglia.

Donne che non parlano: a che serve, quando devi chinare la testa e obbedire, senza porti domande? Teresa sposa un uomo del clan, senza amarlo. Ogni giorno apparecchia la tavola anche per il marito che non c’è più, e per il figlio in carcere. Spinge la famiglia alla vendetta. Finché un giorno, Angela, la figlia, decide di collaborare con la giustizia, rompendo la catena che li confina tutti nella stessa gabbia, mettendo Teresa di fronte a sé stessa e alle sue scelte. Angela sceglie di prendere la parola, e il suo posto nel mondo, in una terra “perennemente in cerca di voce e parole”. Gesto di rivolta carico di senso di cui Teresa dovrà farsi carico.

Un testo difficile -dice Anna Maria De Luca- perché non è semplice entrare nella testa di un personaggio come quello di Teresa. A volte, leggiamo di tante persone che appartengono ai clan, ce li immaginiamo lontani da noi. Poi, invece, scopriamo che magari sono vicini di casa, che hanno una vita normale. È il pensiero diverso la forza che li tiene insieme, che è difficile da sradicare.

Ho scritto questo testo per Anna Maria De Luca -prosegue Francesca Chirico, autrice di diversi reportage e di due libri di cui molto si è discusso, Arrovescio (Rubbettino) e Io parlo. Donne ribelli in terra di ‘ndrangheta (Castelvecchi)- su un tema di cui mi interesso da anni, quello del rapporto tra donne e ‘ndrangheta. Questa però è la prima volta che lo faccio per il teatro. Questa volta, rispetto alle donne di cui ho scritto nelle mie inchieste, ho avuto voglia di raccontare l’altra parte. Non quella delle donne che si ribellano, che sono diventate testimoni di giustizia, che hanno fatto una scelta di libertà, ma delle donne che restano in casa, che hanno introiettato quei valori mafiosi fino a diventarne depositarie, a gestire un potere enorme, sia sul piano simbolico che concreto. Teresa è una di queste. E ti fa comprendere quanto dolore e fatiche devono affrontare le altre, quelle che vogliono ribellarsi a quel mondo. Un personaggio, Teresa, fuori dalle convenzioni e dai luoghi comuni, pieno di sfumature, rabbiosa e furente come una Menade vendicatrice, lacerata dalla scelta della figlia.

Una sfida per due donne che con i rispettivi sguardi, dalle tavole di un palcoscenico, l’una, dalle colonne di un giornale, l’altra, hanno raccontato la Calabria mille volte ma forse mai così dall’interno, dalla pancia della balena.

Come voyeur siamo testimoni del vissuto personale di una famiglia che affronta il momento più importante della sua esistenza: si regolano i conti con il passato e la memoria, come un vaso di Pandora libera i fantasmi che fino a quel momento erano rimasti nascosti. Come accade nelle migliori famiglie c‘è sempre un elemento oscuro che con ipocrita omertà rimane indiscusso. Ma arriva il giorno in cui “Pandora” apre il vaso ed i segreti non possono più essere celati.

Il vaso di Pandora è uno dei tanti elementi che ci provengono dalla mitologia greca; esso era il contenitore di tutti i mali che si riversarono nel mondo una volta che fu aperto. Ne parla il poeta Esiodo ne Le opere e i giorni. Il vaso era un dono che Pandora aveva ricevuto da Zeus; questi le aveva raccomandato di non aprirlo, ma Pandora, alla quale Ermes aveva fatto il dono della curiosità, non si trattenne, liberando così tutti i mali del mondo; anche la speranza era presente all’interno del vaso, ma non fece in tempo a uscire prima che il vaso fosse richiuso.

Percorso poetico ideale per i borghi storici, ma adattabile a qualunque contesto, della durata di circa 45 minuti.

Un viaggio alla scoperta dell’essenza della Calabria attraverso alcune delle sue voci migliori: Alvaro, Argiroffi, Costabile, Curcio, Michienzi, Rèpaci.

L’esperienza è adatta ad un pubblico di estrazione eterogenea, giovani e meno giovani, di provenienza regionale ed extra-regionale. Lo spettatore locale riconoscerà le sue radici e la sua cultura, ma l’excursus di argomenti trattati dai celebri pensatori calabresi riguarda la vita di tutti: natura e paesaggio, famiglia e comunità, sogno e realtà.